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Dan Graham

Star of David-Hamburger Version, 2001

Escultura | Latón plateado, cristal revestido de NiCr, madera y pintura
45,8 x 99,5 x 99,5 cm.

 

Híbridos entre la arquitectura y la escultura, los pabellones de Dan Graham son estructuras metálicas con cristal y espejos polarizados, transparentes y reflectantes al mismo tiempo, instalados en espacios públicos, parques o instituciones culturales. Su complejidad óptica cristaliza una complejidad de relaciones –entre el que mira y el que es mirado, entre aquel reflejado y el que queda invisible y oculto por el reflejo, entre la estructura misma y su ambiente circunscrito en su interior por el reflejo– donde las expectativas del espectador se ven estimuladas y truncadas al tiempo, demostrando cómo las formas de la ciudad afectan al comportamiento del ciudadano. En los pabellones, no sólo el movimiento del espectador sino cualquier cambio ambiental debido a la intensidad de luz o al clima determinan una lectura cambiante donde objeto y sujeto se confunden prismáticamente, donde el descubrimiento de uno mismo como espectador está en relación directa con esa autoconciencia que el pabellón parece tener de sí mismo.

Estas estructuras nacen de una afirmación sobre la historicidad del espacio público: de los pabellones de jardín en el barroco, de las enseñanzas de Venturi, Scott y Brown y, sobre todo, del libro Delirious New York de Rem Koolhaas, donde lo urbano se entendía como una concatenación de espacios de entretenimiento. A pesar de estas referencias posmodernas, su lenguaje deriva de las formas que el minimalismo adoptó como gramática: el cubo elemental proviene de la estructura en retícula de la ciudad estadounidense, de la unidad mínima del bloque urbano empequeñecido a escala. Esa misma reducción se extiende también al ambiente natural: Graham ha explicado cómo sus pabellones adoptan las formas de la media puesta de sol de las pinturas de Robert Mangold, de esas situaciones que se producen en el ocaso diario de las grandes ciudades, cuando la polución vuelve la luz de color tostado.

Esta sucesión de referencias también hace semántica la elección del espejo polarizado, material fundamental de las grandes corporaciones en sus hitos urbanos, que permite un efecto de vigilancia singular, transparente desde dentro y reflectante desde fuera, ocultando la idea de producción económica que acontece en su interior. Si reflejando el cielo, las corporaciones se identifican con la naturaleza, los pabellones reflejan por el contrario a un espectador activo y consciente de esas contradicciones necesarias en la lectura del centro de la ciudad: los pabellones son como el reverso crítico de la situación de poder al mirar desde la cima de un rascacielos.

Para Dan Graham las maquetas son fundamentales, y no un simple paso intermedio de trabajo. Una maqueta remite a su uso en propuestas arquitectónicas como planteamiento fantástico o de propaganda previo a que una obra llegue a ser realizada. Utilizadas en el campo del arte, con la economía de formas que el artista impone, manifiestan la potencialidad de las estructuras finalmente construidas: la posibilidad de lectura espacio temporal que un cuerpo puede realizar de un objeto significativo, hibridando forma estética y conjunto urbano en el espacio crítico y público de la mirada de su espectador.

Manuel Segade


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Dora García

Respiración artificial / Performance / Eco oscuro, 2016

Edición | Posters. MOREpublishers, Ghent
89 x 59,4 cm. (x3 cm.)
Estos tres posters fueron producidos por MOREpublishers (Gante) coincidiendo con una exposición individual de Dora García en el IVAM de Valencia en 2016. Esta exposición tenía el triple título que identifica cada uno de los posters en una narrativa entrelazada vinculada por una misma imagen. El dibujo representa dos cabezas unidas mediante una cinta de Moebius en el que es un tema recurrente en la artista: la identidad en perpetuo cambio, la fusión o merging de personajes así como su desdoblamiento, el género, el doble o Doppelgänger y demás. Hay además en este dibujo una dimensión utópica inspirada en un imaginario anfibio de ciencia-ficción.

Respiración artificial es una performance donde un grupo de participantes observa la ciudad (Valencia, Madrid) a través de distintas grabaciones de audio y transcripciones. El texto saliente son más de trescientas entradas a modo de versículos o rezos editados por la artista aunque manteniendo el estilo coloquial de las grabaciones originales. La descripción técnica del entorno y la retransmisión de la realidad propician una narrativa instantánea: una escritura y una lectura que no cesan y que produce una proyección la cual, como en la caverna de Platón, ilumina el entendimiento entre dos personas, un escritor y un lector, uno que cuenta y otro que escucha. La pieza toma su título del libro homónimo del escritor argentino Ricardo Piglia, quien encarna en la novelaa Emilio Renzi, su álter ego. La obra de este escritor es la prueba de que se puede ficcionalizar prácticamente todo. Por ejemplo, leer teoría o psicoanálisis, Lacan y Freud, como aventuras de las peripecias del subconsciente. “¿No es el psicoanálisis una gran ficción?” se pregunta Piglia. En la novela Respiración artificial, la historia, la investigación y la política se camuflan en ese artificio que es la ficción. En la performance, dos personas van leyendo de modo alterno los versículoscruzando la ficción y la realidad.

Performance está inspirada en la película del mismo título dirigida por Donald Cammell y Nicolas Roeg en 1970. Se trata de uno de los filmes artymás icónicos del cine británico y fue interpretado por Mick Jagger y James Fox. Ésta es una obra de “teatro leído” para ser ser ejecutada por seis actores o intérpretes y se basa en un guión que escribí como colofón a la colaboración con la artista en dicha exposición en el IVAM. Seis guiones, uno por cada personaje, descansan sobre la mesa hasta que los actores periódicamente lo activan. El guión da cuenta de la actualidad de los múltiples significados del término “performance” (en el arte, la danza, el arte de la interpretación y la escena experimental). Continúa con una de las preguntas de la artista: ¿Donde van los personajes cuando la novela se acaba?

En tercer lugar, Eco oscuro es el título de una novela escrita por Francisco “Paco” Baena en la cual la obra de Dora García aparece ficcionalizada y acaba por determinar las relaciones entre los distintos personajes. Estas tres piezas colaborativas sirven para generar una continuanarración que no cesa y que caracteriza toda su producción como un dispositivo siempre abierto al Otro.

Peio Aguirre


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Enric Farrés Duran

París no se acaba nunca: #Districte cinquè, 2014

Publicación | Libro de artista | MACBA, Barcelona

21 x 14,7 cm.

 

De la misma manera que el escritor Enrique Vila-Matas no escribe, sino que reescribe, Enric Farrés Duran combina y baraja las estrategias técnicas y conceptuales, mientras juega con todo el bagaje cultural que tiene a su disposición. Farrés Duran toma el libro de Vila-Matas, París no se acaba nunca, y, literalmente hace una clonación formal como punto de partida de una serie de proyectos en los que nos invita a un recorrido autobiográfico en el que, como Vila-Matas, lo verdadero y lo falso, lo verosímil y lo improbable acaban confundiéndose.

París no se acaba nunca de Enric Farrés-Duran es un proyecto que, hasta el momento, ha desarrollado tres estadios (París no se acaba nunca # Poblenou; París no se acaba nunca # El Prat y París no se acaba nunca # Districte Cinquè), en los que el artista parte de un lugar concreto (el barrio barcelonés del Poblenou, la ciudad periférica de El Prat o el Distrito Quinto, en el barrio de El Raval de Barcelona) para establecer unos recorridos en los que se descubren tantas cosas como se ocultan y se completan con un libro que pone orden o contradice todo lo anterior.

Así, París no se acaba nunca # Poblenou traza un recorrido a partir de una coincidencia de iniciales y de ubicación, que vincula Can Felipa, una institución artística centrada en el arte emergente y un Museo de Pintura Contemporánea perteneciente a una fundación privada. La propuesta de Enric Farrés-Duran mezcló elementos de ambas instituciones, de manera que algunas pinturas de la segunda se expusieron en un contexto de arte emergente, mientras que los trabajos de algunos artistas muy jóvenes se mostraron mezclados con obras más tradicionales.

París no se acaba nunca # El Prat, realizado junto a Roger Amat-Comellas, trajo a la luz un recorrido hilarante de conexiones en las que aparecen algunos elementos con denominación de origen como las renombradas alcachofas de El Prat o el pollo de pata azul, en conexión con monumentos de los mismos sobredimensionados y encontrados en Estados Unidos (porque las circunstancias vitales de Roger Amat-Comellas le llevaron a residir en Estados Unidos), todo ello ambientado con la música desenfadada de los 80, con el grupo Decibelios y su “Vacaciones en el Prat”. El recorrido literal tomó forma de viaje en grupo en autocar que el artista tituló Viaje al origen.

La tercera de las entregas de París no se acaba nunca # Districte Cinquè, se realizó en el contexto de la exposición colectiva La Realidad Invocableen el MACBA. En sus andanzas por el Distrito Quinto barcelonés (en las que no faltan malentendidos con otro distrito quinto, el de París, también zona de universidades) el artista ha efectuado una investigación cuyos resultados se plasman en una instalación de inputs y hallazgos en forma de objetos, libros y otros elementos diversos. La instalación se presenta como el escenario de una representación a la que, como espectadores, hemos llegado demasiado pronto y en la que encontramos una estantería con diversos elementos, junto a una silla, una planta y un póster, de los que no sabemos ni podemos averiguar qué papel jugarán en la trama de una representación que, imaginamos, tendrá lugar unos instantes después. El secreto se desveló el día 26 de junio de 2014, cuando, con el título de Buscando enemigos, Enric Farrés-Duran realizó una visita guiada para un reducido número de personas, por algunos lugares del distrito quinto importantes en su propia biografía: la Facultad de Filosofía, la Escuela Massana o el estudio del diseñador Peret, entre otros. Allí, antiguos compañeros o colaboradores del artista tuvieron la oportunidad de discutir y rebatir sus ideas, desde un punto de vista filosófico o en forma de “ajuste de cuentas” que, en el fondo evidenciaba la inteligencia del posicionamiento de Farrés-Duran como artista y su maestría para agitar, barajar y manejar referentes, situaciones y formatos.

Montse Badia

 

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Rafel G. Bianchi Quién soy yo: autoanálisis de inclinaciones y aptitudes. Ejercicio realizado por Rafel G. Bianchi y valorado por David Armengol, 2012
Publicación | Libro de artista | Cru, Girona
25,3 x 19 cm.

 

 

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