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Joan Morey

Non Serviam, 2014

Poster de edición limitada | Obra derivada de la performance  

97 x 68 cm.

 

NON SERVIAM [GETSEMANÍ] es una puesta en escena específica, de carácter performático, que toma como punto de partida la obtención del aceite de oliva a partir de la máquina de prensa. Sobre la base de este proceso y la producción del aceite resultante se establece un vínculo de naturaleza casi abstracta con “Las máquinas deseantes”, primer capítulo de L’Anti-OEdipede Gilles Deleuze y Felix Guattari. En un ejercicio de apropiacionismo, este texto sirve para elaborar el guión de una pieza sonora que articula todas las partes de la propuesta y se expande en una pieza gráfica de edición limitada.

Desde el encargo de desarrollar una propuesta artística a partir de un elemento muy concreto, el aceite, Joan Morey lo incorpora a su discurso y su trabajo de investigación en el ámbito de la performance, en el que explora cómo nos relacionamos con los demás y como se ejercen las relaciones de poder y sometimiento. La noción de Non Serviam (frase atribuida a Lucifer en el sentido de “No servir” al Dios del reino celestial) y Getsemaní (que significa “prensa de aceite” y da nombre a la montaña de los olivos en el valle de Cedró, en el este de Jerusalén, considerado como un lugar sagrado), unidas a algunos pasajes del primer capítulo de L’Anti-OEdipe, de Deleuze y Guattari son los ejes que articulan una performance en la que aparecen acciones y elementos estéticos vinculados al erotismo y el sadomasoquismo, y en los que el aceita se integra como líquido lubricante de cuerpos y máquinas. Todo ello siguiendo unas pautas ceremoniales de exquisita elegancia que contrastan con la brutalidad de los conceptos sobre los que reflexiona.

GETSEMANÍ de Joan Morey fue un evento producido por Cal Cego. Colección de Arte Contemporáneo que tuvo lugar en diciembre de 2014 con motivo de la presentación del aceite nuevo.

Mise en scène — Actores conductores: Ingrid Agut, Guust Selhorst. Música: La Rêveuse, Dietrich Buxtehude, Johann Adam Reinken. Estilismo: Mónica Zafra Fotografía: Teddy Iborra Wicksteed. Pieza sonora – Texto: palabras procedentes de L’Anti-OEdipe. Capitalisme et schizophrénies (Paris, Les Éditions de Minuit, 1972) de Gilles Deleuze y Felix Guattari. Voz: Michaël Rudy Cermeno. Registro de voz i¡y edición: Miquel Mestres (Angel sound studio).

NON SERVIAM es una pieza gráfica hors commerce de edición limitada impresa con litografía offset en tinta negra sobre papel Pop’Set Blanco (Antalis) y que recoge el guión del evento realizado a partir de “Las Máquinas Deseantes”, primer capítulo de L’Anti-OEdipe. Capitalisme et schizophrénie (París, Les Editions de Minuit, 1972), de Gilles Deleuze y Felix Guattari.

Pieza gráfica – Diseño: Miquel Polidano, Joan Morey. Edición y corrección del texto: la correccional (servicios textuales). Palabras en el anverso: “Extérieur et intérieur ne veulent plus rien dire.” (Outside and inside, no longer have any meaning whatsoever).  Modelos en las imágenes: Manel Muñoz, Marc Vilajuana. Barcelona, Joan Morey © 2014

Montse Badia

 


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Joan Morey

(Mallorca, 1972)

Joan Morey ha producido un extenso conjunto de performances, vídeos, instalaciones y obras sonoras y gráficas que, desde finales de los años noventa, explora la intersección entre teatro, cine, filosofía, sexualidad y subjetividad. Su obra critica y al mismo tiempo encarna uno de los aspectos más espinosos y trascendentales de la conciencia y el comportamiento humanos: el modo en que nos relacionamos con los demás, sea como oprimidos o bien como opresores. El tono oscuro y ominoso de su trabajo no es más que un reflejo de la historia universal, que se caracteriza por el dominio, la explotación y las desigualdades.

Su práctica artística aúna tres géneros fundamentales del arte contemporáneo: la performance (a través de escenarios que se desarrollan en el tiempo, en los que habitualmente han participado cuerpos humanos y el propio público), la apropiación (tomando y reformulando textos, formas y estilos ya existentes, ya sea de fuentes literarias, clásicas o de la subcultura contemporánea) y la crítica institucional (con la que examina y aborda las ideologías y el poder de nuestras instituciones sociales, culturales y políticas).

En su trabajo, Morey se sirve de toda la retórica que envuelve a la puesta en escena, los actores, los objetos, el vestuario, los guiones y el spoken word. No es intérprete en sus performances aunque establece unas rígidas instrucciones que determinan los parámetros formales que deben seguir (o padecer) los ejecutantes, lo que suele determinar el modo en que el público percibe sus obras y la precisión con que éstas deben ser documentadas.

Joan Morey nació en Mallorca en 1972 y vive en Barcelona. Es Licenciado y DEA en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona. En el 2017 presentó la performance ‘TOUR DE FORCE’ en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona y la performance para pantalla ‘COS SOCIAL. Lliçó d’anatomia’ en el contexto del Premi de Videocreació otorgado por la Xarxa de Centres d’Arts Visuals de Catalunya, Arts Santa Mònica y LOOP Barcelona. Ese mismo año obtuvo el Premi Ciutat de Barcelona de Artes Visuales otorgado por el Ajuntament de Barcelona. En el 2018–2019 ha presentado ‘COLAPSO’, un proyecto con dos capítulos expositivos (en el Centre d’art Contemporani de Barcelona – Fabra i Coats, y en el Centre d’Art Tecla Sala en L’Hospitalet); y una performance en la cárcel Modelo de Barcelona, siendo ésta la primera ocasión en la que no actuaron cuerpos, sino que el protagonista fue la propia arquitectura panóptica.

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Wilfredo Prieto

(Sancti Spíritus, Cuba, 1978)

 
El trabajo de Wilfredo Prieto discurre por caminos entrecruzados que beben de distintas tradiciones artísticas de las últimas décadas como el minimalismo, el arte póvera o el conceptual, aunque llevándolos a su propio terreno de juego. Mediante gestos mínimos y el uso de materiales cotidianos, Prieto incide de manera aguda y poética en aspectos complejos de la realidad contemporánea. Sus proyectos pueden materializarse en minúsculas esculturas o en grandes instalaciones, a menudo desplegadas por el suelo del espacio expositivo, que se caracterizan por no dejar indiferente al que las observa, y que provocan reflexiones sobre temas como el valor, el deseo, el consumismo, las relaciones de poder o el impacto de las fluctuaciones económicas y políticas; temas que se alejan de lo directamente contextual para apuntar hacia asuntos filosóficos y globales.

En su práctica, el artista se convierte en una suerte de observador de la realidad, de explorador e investigador de lo cotidiano, y su función se reduce casi a señalar y evidenciar ciertos aspectos del mundo, modificando su significado con pequeños gestos que dislocan la perspectiva de la razón y propician nuevas lecturas. Más allá de acumular objetos en el estudio, la dinámica se centra en observar la realidad y detectar espacios y objetos con potencia de generar relecturas. La expectativa del público entra en juego, y este adquiere un rol activo, en cuanto a su capacidad de leer, entender y relacionar. Uno se va a casa rumiando y con la conciencia de que en ese pequeño dislocamiento de lo real se ha producido algo que te deja inquieto. El de Prieto es un arte de lectura rápida y digestión lenta.

Juan Canela

 

 


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Dan Graham

Star of David-Hamburger Version, 2001

Escultura | Latón plateado, cristal revestido de NiCr, madera y pintura
45,8 x 99,5 x 99,5 cm.

 

Híbridos entre la arquitectura y la escultura, los pabellones de Dan Graham son estructuras metálicas con cristal y espejos polarizados, transparentes y reflectantes al mismo tiempo, instalados en espacios públicos, parques o instituciones culturales. Su complejidad óptica cristaliza una complejidad de relaciones –entre el que mira y el que es mirado, entre aquel reflejado y el que queda invisible y oculto por el reflejo, entre la estructura misma y su ambiente circunscrito en su interior por el reflejo– donde las expectativas del espectador se ven estimuladas y truncadas al tiempo, demostrando cómo las formas de la ciudad afectan al comportamiento del ciudadano. En los pabellones, no sólo el movimiento del espectador sino cualquier cambio ambiental debido a la intensidad de luz o al clima determinan una lectura cambiante donde objeto y sujeto se confunden prismáticamente, donde el descubrimiento de uno mismo como espectador está en relación directa con esa autoconciencia que el pabellón parece tener de sí mismo.

Estas estructuras nacen de una afirmación sobre la historicidad del espacio público: de los pabellones de jardín en el barroco, de las enseñanzas de Venturi, Scott y Brown y, sobre todo, del libro Delirious New York de Rem Koolhaas, donde lo urbano se entendía como una concatenación de espacios de entretenimiento. A pesar de estas referencias posmodernas, su lenguaje deriva de las formas que el minimalismo adoptó como gramática: el cubo elemental proviene de la estructura en retícula de la ciudad estadounidense, de la unidad mínima del bloque urbano empequeñecido a escala. Esa misma reducción se extiende también al ambiente natural: Graham ha explicado cómo sus pabellones adoptan las formas de la media puesta de sol de las pinturas de Robert Mangold, de esas situaciones que se producen en el ocaso diario de las grandes ciudades, cuando la polución vuelve la luz de color tostado.

Esta sucesión de referencias también hace semántica la elección del espejo polarizado, material fundamental de las grandes corporaciones en sus hitos urbanos, que permite un efecto de vigilancia singular, transparente desde dentro y reflectante desde fuera, ocultando la idea de producción económica que acontece en su interior. Si reflejando el cielo, las corporaciones se identifican con la naturaleza, los pabellones reflejan por el contrario a un espectador activo y consciente de esas contradicciones necesarias en la lectura del centro de la ciudad: los pabellones son como el reverso crítico de la situación de poder al mirar desde la cima de un rascacielos.

Para Dan Graham las maquetas son fundamentales, y no un simple paso intermedio de trabajo. Una maqueta remite a su uso en propuestas arquitectónicas como planteamiento fantástico o de propaganda previo a que una obra llegue a ser realizada. Utilizadas en el campo del arte, con la economía de formas que el artista impone, manifiestan la potencialidad de las estructuras finalmente construidas: la posibilidad de lectura espacio temporal que un cuerpo puede realizar de un objeto significativo, hibridando forma estética y conjunto urbano en el espacio crítico y público de la mirada de su espectador.

Manuel Segade


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Dora García

Respiración artificial / Performance / Eco oscuro, 2016

Edición | Posters. MOREpublishers, Ghent
89 x 59,4 cm. (x3 cm.)
Estos tres posters fueron producidos por MOREpublishers (Gante) coincidiendo con una exposición individual de Dora García en el IVAM de Valencia en 2016. Esta exposición tenía el triple título que identifica cada uno de los posters en una narrativa entrelazada vinculada por una misma imagen. El dibujo representa dos cabezas unidas mediante una cinta de Moebius en el que es un tema recurrente en la artista: la identidad en perpetuo cambio, la fusión o merging de personajes así como su desdoblamiento, el género, el doble o Doppelgänger y demás. Hay además en este dibujo una dimensión utópica inspirada en un imaginario anfibio de ciencia-ficción.

Respiración artificial es una performance donde un grupo de participantes observa la ciudad (Valencia, Madrid) a través de distintas grabaciones de audio y transcripciones. El texto saliente son más de trescientas entradas a modo de versículos o rezos editados por la artista aunque manteniendo el estilo coloquial de las grabaciones originales. La descripción técnica del entorno y la retransmisión de la realidad propician una narrativa instantánea: una escritura y una lectura que no cesan y que produce una proyección la cual, como en la caverna de Platón, ilumina el entendimiento entre dos personas, un escritor y un lector, uno que cuenta y otro que escucha. La pieza toma su título del libro homónimo del escritor argentino Ricardo Piglia, quien encarna en la novelaa Emilio Renzi, su álter ego. La obra de este escritor es la prueba de que se puede ficcionalizar prácticamente todo. Por ejemplo, leer teoría o psicoanálisis, Lacan y Freud, como aventuras de las peripecias del subconsciente. “¿No es el psicoanálisis una gran ficción?” se pregunta Piglia. En la novela Respiración artificial, la historia, la investigación y la política se camuflan en ese artificio que es la ficción. En la performance, dos personas van leyendo de modo alterno los versículoscruzando la ficción y la realidad.

Performance está inspirada en la película del mismo título dirigida por Donald Cammell y Nicolas Roeg en 1970. Se trata de uno de los filmes artymás icónicos del cine británico y fue interpretado por Mick Jagger y James Fox. Ésta es una obra de “teatro leído” para ser ser ejecutada por seis actores o intérpretes y se basa en un guión que escribí como colofón a la colaboración con la artista en dicha exposición en el IVAM. Seis guiones, uno por cada personaje, descansan sobre la mesa hasta que los actores periódicamente lo activan. El guión da cuenta de la actualidad de los múltiples significados del término “performance” (en el arte, la danza, el arte de la interpretación y la escena experimental). Continúa con una de las preguntas de la artista: ¿Donde van los personajes cuando la novela se acaba?

En tercer lugar, Eco oscuro es el título de una novela escrita por Francisco “Paco” Baena en la cual la obra de Dora García aparece ficcionalizada y acaba por determinar las relaciones entre los distintos personajes. Estas tres piezas colaborativas sirven para generar una continuanarración que no cesa y que caracteriza toda su producción como un dispositivo siempre abierto al Otro.

Peio Aguirre


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