Enric Farrés Duran
El coleccionista, el artista y todo lo demás, 2018
Instalación | Globo de helio, cuerda, metal, cemento
Dimensiones variables
Posted on by Calcego Calcego
Artistas y obras
Antoni Miralda
En los imaginarios y ceremoniales del artista Antoni Miralda el trabajo doméstico a pequeña escala y las grandes construcciones en el espacio público son procesos creativos de una misma intensidad. De igual manera sus desplazamientos terrícolas le convierten en nómada al tiempo que su alquimia del color y los sabores le asignan una identidad de chamán enraizado a los lugares. Un artista difícil de clasificar, anomalía que le otorga el máximo privilegio para erotizar los manjares y gozar los encuentros gastronómicos.
Nació en Terrassa (Barcelona), zona de fábricas textiles y urdimbres sociales. Viajó y se asentó de joven en el París y Nueva York de los setenta donde dinamiza los procesos de su peculiar tejido estético y sus escenarios de relación. En todo momento guía sus obras y colaboraciones como un antropólogo, una forma de trabajo alejada del solipsismo. Para Miralda el arte es un horno donde cocinar y una mesa para compartir. El mobiliario de este peculiar taller de artista tiene reminiscencias pop y claroscuros mágicos: canibalismo, manjares afrodisíacos, frutos orgánicos, miniaturas bélicas, iconos publicitarios de colores, libros de cocina, bodas paganas, vídeos, recetas de la abuela y museos virtuales.
Sus producciones, inclasificables y por ello imprescindibles, se han mostrado y acontecido en los principales museos, ciudades y eventos internacionales. Múltiples publicaciones difunden las obras y analizan su espíritu creativo. Junto a Montse Guillén pilota el proyecto de vida FoodCulturaMuseum, un museo a la intemperie sin tiempo ni coordenadas. Un proyecto para la eternidad.
En 2018 Antoni Miralda recibe el prestigioso Premio Velázquez de Artes Plásticas por su peculiar manera de trabajar el concepto de ritual y fiesta de manera lúdica y participativa, destacando el carácter político y crítico de sus obras. En otras palabras: El artista sabe que es más importante el pan que el dinero, más la amistad que el éxito.
Pilar Bonet
 |
Joseph Beuys
Difesa della Natura, 1982
Múltiple | Offset color sobre cartón, firmado por el artista
35,5 x 44,5 cm.
La relación del ser humano con la naturaleza es uno de los aspectos centrales del pensamiento de Joseph Beuys. A partir de 1971, Beuys frecuenta Italia donde desarrolla el proyecto DIFESA DELLA NATURA, su propuesta para el surgimiento de una nueva cultura en la que el arte se convierte en un acto cotidiano que va más allá del contexto artístico. En Pescara, en el espacio de Lucrezia De Domizio y Giuseppe Durini, Beuys tiene la posibilidad de experimentar diversos sistemas de cultivo agrícola (entendiendo la agricultura como vinculada a la centralidad del hombre liberado de toda ideología de poder), de explorar esta investigación de la verdad a través de si mismo en la naturaleza. Allí organiza encuentros, acciones y debates como práctica de colaboración, de mejora y de defensa. Entre 1971 y 1985, Beuys desarrolla una serie de trabajos relacionados con el proyecto Difesa della Natura, articulado a partir de las siguientes actuaciones: Encuentro con Beuys (1974), Grassello (1979), Piantagioni (1984), Olivestone (1984) y Proyectos inacabados (1985).
Encuentro con Beuys (1974) es un debate en el que plantea como la naturaleza tiene un tiempo y un espacio infinito, continuo y lineal y una fisicidad terreste, que no puede ser diferente ni lejano de una espiritualidad cósmica, curva, infinita, continua y lineal. En este contexto, plantea las nociones de libre creatividad y el concepto ampliado del arte, vinculado a la creencia en el poder universal de la creación humana y el convencimiento que el arte puede llevar a cabo cambios revolucionarios. En Grassello (1979) Beuys utiliza este tipo de cal para restaurar su casa y estudio en Alemania. La reacción del material procedente de Italia en contacto con el agua de Alemania fue sintetizado por Beuys en la fórmula Ca(OH)2+ H2O. La esencia de la obra es el viaje del material desde Pescara hasta Düsseldorf, un proceso documentado fotográficamente por el propio Durini. Piantagioni (1984) es un proyecto colaborativo, que combina la sabiduría agrícola y la función ecológica de las plantas, organizada con finalidad humana y que desemboca en la plantación de 7000 robles en Kassel. Olivestone (1984) consiste en una escultura realizada a partir de una antigua tina del siglo XVI utilizada por la familia Durini para la decantación del aceite. Beuys creó una forma paralelepípeda para cubrirla y la llenó con 200 litros de aceite de la hacienda de los Durini. Como en vasos comunicantes, el aceite fluye por toda la escultura, produciendo un efecto de espejo y de reflector. Olivestone combina elementos de plantas y minerales, sólido y líquido, aspectos femeninos y masculinos, caos y orden, utilidad y estética.
A partir de aquí, diversos elementos, múltiples de edición limitada e ilimitada, como cajas de vino, botellas de aceite, material gráfico, sellos, documentos, etc., se convierten en material de difusión de estas ideas de Beuys, de este gran proyecto holístico concebido como herramienta para contribuir a liberar el mundo occidental de su materialismo y para conseguir una convivencia social basada en la democracia directa y la mutua solidaridad de las personas, independientemente de su condición económica, religiosa o política.
Montse Badia
Joseph Beuys
Ölflasche, 1984
Múltiple | Botella de aceite de oliva, con etiqueta impresa
26 cm.
La relación del ser humano con la naturaleza es uno de los aspectos centrales del pensamiento de Joseph Beuys. A partir de 1971, Beuys frecuenta Italia donde desarrolla el proyecto DIFESA DELLA NATURA, su propuesta para el surgimiento de una nueva cultura en la que el arte se convierte en un acto cotidiano que va más allá del contexto artístico. En Pescara, en el espacio de Lucrezia De Domizio y Giuseppe Durini, Beuys tiene la posibilidad de experimentar diversos sistemas de cultivo agrícola (entendiendo la agricultura como vinculada a la centralidad del hombre liberado de toda ideología de poder), de explorar esta investigación de la verdad a través de si mismo en la naturaleza. Allí organiza encuentros, acciones y debates como práctica de colaboración, de mejora y de defensa. Entre 1971 y 1985, Beuys desarrolla una serie de trabajos relacionados con el proyecto Difesa della Natura, articulado a partir de las siguientes actuaciones: Encuentro con Beuys (1974), Grassello (1979), Piantagioni (1984), Olivestone (1984) y Proyectos inacabados (1985).
Encuentro con Beuys (1974) es un debate en el que plantea como la naturaleza tiene un tiempo y un espacio infinito, continuo y lineal y una fisicidad terreste, que no puede ser diferente ni lejano de una espiritualidad cósmica, curva, infinita, continua y lineal. En este contexto, plantea las nociones de libre creatividad y el concepto ampliado del arte, vinculado a la creencia en el poder universal de la creación humana y el convencimiento que el arte puede llevar a cabo cambios revolucionarios. En Grassello (1979) Beuys utiliza este tipo de cal para restaurar su casa y estudio en Alemania. La reacción del material procedente de Italia en contacto con el agua de Alemania fue sintetizado por Beuys en la fórmula Ca(OH)2+ H2O. La esencia de la obra es el viaje del material desde Pescara hasta Düsseldorf, un proceso documentado fotográficamente por el propio Durini. Piantagioni (1984) es un proyecto colaborativo, que combina la sabiduría agrícola y la función ecológica de las plantas, organizada con finalidad humana y que desemboca en la plantación de 7000 robles en Kassel. Olivestone (1984) consiste en una escultura realizada a partir de una antigua tina del siglo XVI utilizada por la familia Durini para la decantación del aceite. Beuys creó una forma paralelepípeda para cubrirla y la llenó con 200 litros de aceite de la hacienda de los Durini. Como en vasos comunicantes, el aceite fluye por toda la escultura, produciendo un efecto de espejo y de reflector. Olivestone combina elementos de plantas y minerales, sólido y líquido, aspectos femeninos y masculinos, caos y orden, utilidad y estética.
A partir de aquí, diversos elementos, múltiples de edición limitada e ilimitada, como cajas de vino, botellas de aceite, material gráfico, sellos, documentos, etc., se convierten en material de difusión de estas ideas de Beuys, de este gran proyecto holístico concebido como herramienta para contribuir a liberar el mundo occidental de su materialismo y para conseguir una convivencia social basada en la democracia directa y la mutua solidaridad de las personas, independientemente de su condición económica, religiosa o política.
Montse Badia
John Baldessari
(National City, California, 1931)
 |
Joan Morey
Non Serviam, 2014
Poster de edición limitada | Obra derivada de la performance
97 x 68 cm.
NON SERVIAM [GETSEMANÍ] es una puesta en escena específica, de carácter performático, que toma como punto de partida la obtención del aceite de oliva a partir de la máquina de prensa. Sobre la base de este proceso y la producción del aceite resultante se establece un vínculo de naturaleza casi abstracta con “Las máquinas deseantes”, primer capítulo de L’Anti-OEdipede Gilles Deleuze y Felix Guattari. En un ejercicio de apropiacionismo, este texto sirve para elaborar el guión de una pieza sonora que articula todas las partes de la propuesta y se expande en una pieza gráfica de edición limitada.
Desde el encargo de desarrollar una propuesta artística a partir de un elemento muy concreto, el aceite, Joan Morey lo incorpora a su discurso y su trabajo de investigación en el ámbito de la performance, en el que explora cómo nos relacionamos con los demás y como se ejercen las relaciones de poder y sometimiento. La noción de Non Serviam (frase atribuida a Lucifer en el sentido de “No servir” al Dios del reino celestial) y Getsemaní (que significa “prensa de aceite” y da nombre a la montaña de los olivos en el valle de Cedró, en el este de Jerusalén, considerado como un lugar sagrado), unidas a algunos pasajes del primer capítulo de L’Anti-OEdipe, de Deleuze y Guattari son los ejes que articulan una performance en la que aparecen acciones y elementos estéticos vinculados al erotismo y el sadomasoquismo, y en los que el aceita se integra como líquido lubricante de cuerpos y máquinas. Todo ello siguiendo unas pautas ceremoniales de exquisita elegancia que contrastan con la brutalidad de los conceptos sobre los que reflexiona.
GETSEMANÍ de Joan Morey fue un evento producido por Cal Cego. Colección de Arte Contemporáneo que tuvo lugar en diciembre de 2014 con motivo de la presentación del aceite nuevo.
Mise en scène — Actores conductores: Ingrid Agut, Guust Selhorst. Música: La Rêveuse, Dietrich Buxtehude, Johann Adam Reinken. Estilismo: Mónica Zafra Fotografía: Teddy Iborra Wicksteed. Pieza sonora – Texto: palabras procedentes de L’Anti-OEdipe. Capitalisme et schizophrénies (Paris, Les Éditions de Minuit, 1972) de Gilles Deleuze y Felix Guattari. Voz: Michaël Rudy Cermeno. Registro de voz i¡y edición: Miquel Mestres (Angel sound studio).
NON SERVIAM es una pieza gráfica hors commerce de edición limitada impresa con litografía offset en tinta negra sobre papel Pop’Set Blanco (Antalis) y que recoge el guión del evento realizado a partir de “Las Máquinas Deseantes”, primer capítulo de L’Anti-OEdipe. Capitalisme et schizophrénie (París, Les Editions de Minuit, 1972), de Gilles Deleuze y Felix Guattari.
Pieza gráfica – Diseño: Miquel Polidano, Joan Morey. Edición y corrección del texto: la correccional (servicios textuales). Palabras en el anverso: “Extérieur et intérieur ne veulent plus rien dire.” (Outside and inside, no longer have any meaning whatsoever). Modelos en las imágenes: Manel Muñoz, Marc Vilajuana. Barcelona, Joan Morey © 2014
Montse Badia
Joan Morey
(Mallorca, 1972)
Joan Morey ha producido un extenso conjunto de performances, vídeos, instalaciones y obras sonoras y gráficas que, desde finales de los años noventa, explora la intersección entre teatro, cine, filosofía, sexualidad y subjetividad. Su obra critica y al mismo tiempo encarna uno de los aspectos más espinosos y trascendentales de la conciencia y el comportamiento humanos: el modo en que nos relacionamos con los demás, sea como oprimidos o bien como opresores. El tono oscuro y ominoso de su trabajo no es más que un reflejo de la historia universal, que se caracteriza por el dominio, la explotación y las desigualdades.
Su práctica artística aúna tres géneros fundamentales del arte contemporáneo: la performance (a través de escenarios que se desarrollan en el tiempo, en los que habitualmente han participado cuerpos humanos y el propio público), la apropiación (tomando y reformulando textos, formas y estilos ya existentes, ya sea de fuentes literarias, clásicas o de la subcultura contemporánea) y la crítica institucional (con la que examina y aborda las ideologías y el poder de nuestras instituciones sociales, culturales y políticas).
En su trabajo, Morey se sirve de toda la retórica que envuelve a la puesta en escena, los actores, los objetos, el vestuario, los guiones y el spoken word. No es intérprete en sus performances aunque establece unas rígidas instrucciones que determinan los parámetros formales que deben seguir (o padecer) los ejecutantes, lo que suele determinar el modo en que el público percibe sus obras y la precisión con que éstas deben ser documentadas.
Joan Morey nació en Mallorca en 1972 y vive en Barcelona. Es Licenciado y DEA en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona. En el 2017 presentó la performance ‘TOUR DE FORCE’ en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona y la performance para pantalla ‘COS SOCIAL. Lliçó d’anatomia’ en el contexto del Premi de Videocreació otorgado por la Xarxa de Centres d’Arts Visuals de Catalunya, Arts Santa Mònica y LOOP Barcelona. Ese mismo año obtuvo el Premi Ciutat de Barcelona de Artes Visuales otorgado por el Ajuntament de Barcelona. En el 2018–2019 ha presentado ‘COLAPSO’, un proyecto con dos capítulos expositivos (en el Centre d’art Contemporani de Barcelona – Fabra i Coats, y en el Centre d’Art Tecla Sala en L’Hospitalet); y una performance en la cárcel Modelo de Barcelona, siendo ésta la primera ocasión en la que no actuaron cuerpos, sino que el protagonista fue la propia arquitectura panóptica.
Latitudes
 |
Wilfredo Prieto
(Sancti Spíritus, Cuba, 1978)
El trabajo de Wilfredo Prieto discurre por caminos entrecruzados que beben de distintas tradiciones artísticas de las últimas décadas como el minimalismo, el arte póvera o el conceptual, aunque llevándolos a su propio terreno de juego. Mediante gestos mínimos y el uso de materiales cotidianos, Prieto incide de manera aguda y poética en aspectos complejos de la realidad contemporánea. Sus proyectos pueden materializarse en minúsculas esculturas o en grandes instalaciones, a menudo desplegadas por el suelo del espacio expositivo, que se caracterizan por no dejar indiferente al que las observa, y que provocan reflexiones sobre temas como el valor, el deseo, el consumismo, las relaciones de poder o el impacto de las fluctuaciones económicas y políticas; temas que se alejan de lo directamente contextual para apuntar hacia asuntos filosóficos y globales.
En su práctica, el artista se convierte en una suerte de observador de la realidad, de explorador e investigador de lo cotidiano, y su función se reduce casi a señalar y evidenciar ciertos aspectos del mundo, modificando su significado con pequeños gestos que dislocan la perspectiva de la razón y propician nuevas lecturas. Más allá de acumular objetos en el estudio, la dinámica se centra en observar la realidad y detectar espacios y objetos con potencia de generar relecturas. La expectativa del público entra en juego, y este adquiere un rol activo, en cuanto a su capacidad de leer, entender y relacionar. Uno se va a casa rumiando y con la conciencia de que en ese pequeño dislocamiento de lo real se ha producido algo que te deja inquieto. El de Prieto es un arte de lectura rápida y digestión lenta.
Juan Canela
  |
