Helena Almeida e Ignasi Aballí en
Caerán las almas de las pieles, Sala de Exposiciones de la Diputación de Huesca
Helena, Almeida

 

 

 

 

 


Obras de Helena Almeida e Ignasi Aballí, pertenecientes a la colección Cal Cego, en la Sala de Exposiciones de la Diputación de Huesca

En el contexto de la exposición Caerán las almas de las pieles, dentro del proyecto La piel del discurso médico, comisariada por Javier Codesal y Montserrat Rodriguez Garzo

Sala de Exposiciones, Diputación de Huesca
Del 8 de septiembre al 22 de octubre de 2017


 


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Joan Morey

Non Serviam, 2014

Poster de edición limitada | Obra derivada de la performance  

97 x 68 cm.

 

NON SERVIAM [GETSEMANÍ] es una puesta en escena específica, de carácter performático, que toma como punto de partida la obtención del aceite de oliva a partir de la máquina de prensa. Sobre la base de este proceso y la producción del aceite resultante se establece un vínculo de naturaleza casi abstracta con “Las máquinas deseantes”, primer capítulo de L’Anti-OEdipede Gilles Deleuze y Felix Guattari. En un ejercicio de apropiacionismo, este texto sirve para elaborar el guión de una pieza sonora que articula todas las partes de la propuesta y se expande en una pieza gráfica de edición limitada.

Desde el encargo de desarrollar una propuesta artística a partir de un elemento muy concreto, el aceite, Joan Morey lo incorpora a su discurso y su trabajo de investigación en el ámbito de la performance, en el que explora cómo nos relacionamos con los demás y como se ejercen las relaciones de poder y sometimiento. La noción de Non Serviam (frase atribuida a Lucifer en el sentido de “No servir” al Dios del reino celestial) y Getsemaní (que significa “prensa de aceite” y da nombre a la montaña de los olivos en el valle de Cedró, en el este de Jerusalén, considerado como un lugar sagrado), unidas a algunos pasajes del primer capítulo de L’Anti-OEdipe, de Deleuze y Guattari son los ejes que articulan una performance en la que aparecen acciones y elementos estéticos vinculados al erotismo y el sadomasoquismo, y en los que el aceita se integra como líquido lubricante de cuerpos y máquinas. Todo ello siguiendo unas pautas ceremoniales de exquisita elegancia que contrastan con la brutalidad de los conceptos sobre los que reflexiona.

GETSEMANÍ de Joan Morey fue un evento producido por Cal Cego. Colección de Arte Contemporáneo que tuvo lugar en diciembre de 2014 con motivo de la presentación del aceite nuevo.

Mise en scène — Actores conductores: Ingrid Agut, Guust Selhorst. Música: La Rêveuse, Dietrich Buxtehude, Johann Adam Reinken. Estilismo: Mónica Zafra Fotografía: Teddy Iborra Wicksteed. Pieza sonora – Texto: palabras procedentes de L’Anti-OEdipe. Capitalisme et schizophrénies (Paris, Les Éditions de Minuit, 1972) de Gilles Deleuze y Felix Guattari. Voz: Michaël Rudy Cermeno. Registro de voz i¡y edición: Miquel Mestres (Angel sound studio).

NON SERVIAM es una pieza gráfica hors commerce de edición limitada impresa con litografía offset en tinta negra sobre papel Pop’Set Blanco (Antalis) y que recoge el guión del evento realizado a partir de “Las Máquinas Deseantes”, primer capítulo de L’Anti-OEdipe. Capitalisme et schizophrénie (París, Les Editions de Minuit, 1972), de Gilles Deleuze y Felix Guattari.

Pieza gráfica – Diseño: Miquel Polidano, Joan Morey. Edición y corrección del texto: la correccional (servicios textuales). Palabras en el anverso: “Extérieur et intérieur ne veulent plus rien dire.” (Outside and inside, no longer have any meaning whatsoever).  Modelos en las imágenes: Manel Muñoz, Marc Vilajuana. Barcelona, Joan Morey © 2014

Montse Badia

 


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Joan Morey

(Mallorca, 1972)

Joan Morey ha producido un extenso conjunto de performances, vídeos, instalaciones y obras sonoras y gráficas que, desde finales de los años noventa, explora la intersección entre teatro, cine, filosofía, sexualidad y subjetividad. Su obra critica y al mismo tiempo encarna uno de los aspectos más espinosos y trascendentales de la conciencia y el comportamiento humanos: el modo en que nos relacionamos con los demás, sea como oprimidos o bien como opresores. El tono oscuro y ominoso de su trabajo no es más que un reflejo de la historia universal, que se caracteriza por el dominio, la explotación y las desigualdades.

Su práctica artística aúna tres géneros fundamentales del arte contemporáneo: la performance (a través de escenarios que se desarrollan en el tiempo, en los que habitualmente han participado cuerpos humanos y el propio público), la apropiación (tomando y reformulando textos, formas y estilos ya existentes, ya sea de fuentes literarias, clásicas o de la subcultura contemporánea) y la crítica institucional (con la que examina y aborda las ideologías y el poder de nuestras instituciones sociales, culturales y políticas).

En su trabajo, Morey se sirve de toda la retórica que envuelve a la puesta en escena, los actores, los objetos, el vestuario, los guiones y el spoken word. No es intérprete en sus performances aunque establece unas rígidas instrucciones que determinan los parámetros formales que deben seguir (o padecer) los ejecutantes, lo que suele determinar el modo en que el público percibe sus obras y la precisión con que éstas deben ser documentadas.

Joan Morey nació en Mallorca en 1972 y vive en Barcelona. Es Licenciado y DEA en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona. En el 2017 presentó la performance ‘TOUR DE FORCE’ en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona y la performance para pantalla ‘COS SOCIAL. Lliçó d’anatomia’ en el contexto del Premi de Videocreació otorgado por la Xarxa de Centres d’Arts Visuals de Catalunya, Arts Santa Mònica y LOOP Barcelona. Ese mismo año obtuvo el Premi Ciutat de Barcelona de Artes Visuales otorgado por el Ajuntament de Barcelona. En el 2018–2019 ha presentado ‘COLAPSO’, un proyecto con dos capítulos expositivos (en el Centre d’art Contemporani de Barcelona – Fabra i Coats, y en el Centre d’Art Tecla Sala en L’Hospitalet); y una performance en la cárcel Modelo de Barcelona, siendo ésta la primera ocasión en la que no actuaron cuerpos, sino que el protagonista fue la propia arquitectura panóptica.

Latitudes

 


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Wilfredo Prieto

(Sancti Spíritus, Cuba, 1978)

 
El trabajo de Wilfredo Prieto discurre por caminos entrecruzados que beben de distintas tradiciones artísticas de las últimas décadas como el minimalismo, el arte póvera o el conceptual, aunque llevándolos a su propio terreno de juego. Mediante gestos mínimos y el uso de materiales cotidianos, Prieto incide de manera aguda y poética en aspectos complejos de la realidad contemporánea. Sus proyectos pueden materializarse en minúsculas esculturas o en grandes instalaciones, a menudo desplegadas por el suelo del espacio expositivo, que se caracterizan por no dejar indiferente al que las observa, y que provocan reflexiones sobre temas como el valor, el deseo, el consumismo, las relaciones de poder o el impacto de las fluctuaciones económicas y políticas; temas que se alejan de lo directamente contextual para apuntar hacia asuntos filosóficos y globales.

En su práctica, el artista se convierte en una suerte de observador de la realidad, de explorador e investigador de lo cotidiano, y su función se reduce casi a señalar y evidenciar ciertos aspectos del mundo, modificando su significado con pequeños gestos que dislocan la perspectiva de la razón y propician nuevas lecturas. Más allá de acumular objetos en el estudio, la dinámica se centra en observar la realidad y detectar espacios y objetos con potencia de generar relecturas. La expectativa del público entra en juego, y este adquiere un rol activo, en cuanto a su capacidad de leer, entender y relacionar. Uno se va a casa rumiando y con la conciencia de que en ese pequeño dislocamiento de lo real se ha producido algo que te deja inquieto. El de Prieto es un arte de lectura rápida y digestión lenta.

Juan Canela

 

 


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