«El papel del artista» es el módulo que actualmente imparte Antonio Ortega en el Master en Arte Contemporáneo: Contexto, Mediación y Gestión (IL3-UB) 

 

Antonio Ortega, lleva años explorando, a través de sus propuestas artísticas, así como de sus actividades como comisario o director de programas públicos, sobre el tema desde ángulos muy diferentes. En el año 2016, comisarió en la Fundación Joan Miró de Barcelona la muestra «Autogestión. Prácticas DIY» y recientemente fue editor invitado en A*DESK donde desarrolló la noción de «Amateurismo» en relación al papel de los artistas.

 


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Ro Caminal

Els ocells cantaven malgrat feia fred (Los pájaros cantaban aunque hacía frío), 2019

Instalación de video formato pantalla 16:9| Color

Dimensiones variables | 24’37»

 


Els ocells cantaven malgrat feia fred (2019), 24 minutos y 37 segundos de parpadeos oblicuos que muestra sus costuras erráticas, derivas entre laderas que se desvanecen antes que el día despierte y las sombras desaparezcan. Pieza audiovisual tejida entre el dolor, el rocío y la ternura, que intenta recuperar las voces anónimas de un pueblo de Catalunya, La Joncosa del Montmell, donde algo tan escurridizo como el aceite era y es la estructura de la economía doméstica.

Voces quebradas por las grietas de la vida y el tiempo, nos susurran nítidamente los recuerdos que ensueñan de una época que no deja de soplar en el hombro, voces de los únicos sobrevivientes de la Guerra Civil, pequeños relatos que no forman parte de la gran historia, ni siquiera de la historia de los vencidos. En los márgenes, eventualmente recogiendo sobras, restos, con la idea que lo que define las condiciones de la historia nunca es el tiempo y la situación tal y como los describe el discurso dominante. Ro Caminal instala casi hasta el hastío imágenes nocturnas de un olivar que no dejan de contener la promesa de un paisaje que se abre, la utopía del por-venir, de lo que se soporta por lo que se espera. La historia de los que no emigraron, de los que ennegrecieron sus ojos de tanto mirar al sol. De aquellos que el único delirio que conocieron fue el del polvo, de la intensidad de sus cuerpos curvados en un viaje al centro del miedo, entre estallidos que no dejaban de anunciar el ocaso de su nacimiento y, aun así, no se los devoró el silencio.

Adentrándose en un terreno que creemos conocer en profundidad pero en donde no dejan de aletear los monstruos que espantamos tejiendo mitos desde los que sea posible sostener el día a día. Un paisaje que de tan familiar se hace extraño, porque como dice Th. Adorno “hasta el árbol que florece miente en el instante en que se percibe su florecer sin la sombra del espanto”. Ojos que nunca se ven porque la invitación es a entrar en ellos. Agita la convicción del idilio campesino de la vida sosegada. La luz de lunas viejas jugando en el follaje de las hojas de los olivos, deslizamientos por la geografía de sus nudos, nudos que son como cicatrices donde la fragilidad se ha hecho dureza.

Al tiempo que Caminal recupera la tradición oral acuna, no sin temblor entre sus manos, el aliento de vidas en extinción. Desplazadas de su ángulo va deshaciendo las certidumbres del lugar en busca de un pueblo del futuro, arqueología fallida cuya visita a su propio pueblo no puede sino devolverle su condición de extranjera. Bajo el ritmo de sus pasos, entre los movimientos de sus manos se hacen y deshacen imágenes que no se dejan domesticar pero tampoco revelan su secreto, no muestran los pliegues de las que serán las nuevas creencias. Algo se resiste, como diría W. Wordsworth a ‘viajar a las cosas venideras’. Por lo que no es de extrañar que Carminal ponga en las raíces de los Olivos la aridez de las piedras, ínfimo exceso que pueda producir un encuentro de las utopías que se tejen en la clausura.

Andrea Soto Calderón




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Ro Caminal

(Barcelona, 1966)

Las investigaciones artísticas de Ro Caminal han estado marcadas, desde el inicio, por lo que ocurre en las fronteras, en las texturas de la experiencia, zona liminal en la que se juegan los modos de representación y percepción de lo Otro. Su práctica artística no ha dejado de trazar relaciones indisciplinadas entre el arte y la antropología, la investigación y la experimentación, explorando diversas ruinas de lo singular que son las que articulan nuestro presente.

Normalmente, en los procesos de construcción histórica las imágenes se ponen al servicio de determinados sentidos para marcar territorios, conquistar, edificar, destruir, instrumentalizar y legitimar determinadas acciones, unificando intensidades y pacificando diferencias. Al contrario, desde la investigación audiovisual, aunque también en ocasiones con instalaciones mixtas, Caminal, transponiendo diversas metodologías, desde una producción colaborativa y participativa, va abriendo espacios en donde los que quedan excluidos del derecho a ocupar la misma imagen pueden compartir el poder de enunciación, tener voz. Formas de interrupción frágil, momentos de tensión no exentos de las contradicciones que este gesto implica, pero que no renuncia a la potencia de esos cuerpos que resisten e insisten.

Ha expuesto en diversas instituciones nacionales e internacionales, en muestras tanto colectivas como personales, entre las que destaca la Bienal Internacional de Vídeo de Puebla (Méjico), TIVA 16 International Video Art Exhibition of the National Museum of Taiwan (Taiwan), Kino Palais, (Buenos Aires), Artellewa Gallery (Cairo, Egipto), Gallery Ethiopiques (Saint Louis, Senegal).

Andrea Soto Calderón

 


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Patricia Dauder

Sense titol, 2013

Edició
21 x 29,7 cm


En Sense títol (Sin título), Patricia Dauder recupera una imagen que había empezado a trabajar en el año 2001. La imagen era el resto de una escultura que había realizado con yeso y pigmento. Cubierta con papel, la masa resultante dejó unas marcas en el papel que la artista recortó y fotografió. Una imagen guardada y recurrente que recuperó años más tarde con motivo de la ceremonia del aceite. A partir del aspecto orgánico e incluso vegetal de la imagen, Patricia la trabajó de nuevo, esta vez con imágenes de archivo, que transfirió a papel, interviniendo en ellas.«Trabajar con un elemento que es comestible pero que se ha de procesar y del cual extraes una sustancia, me hace pensar en unos trabajos iniciados en 2001-2001, muy incipientes, que eran las primeras tentativas un poco compactas sobre cosas culturales que yo había hecho. Hice una mezcla de pigmentos con yeso y la pieza empezó a tener vida propia. Al pasar las semanas y los meses, podías ver como había tenido lugar una reacción química, y en una de estas fases cubrí estas piezas con papeles. La propia sustancia del papel produjo unas formes, incluso recortó las formas como un envoltorio. Algunos de estos envoltorios eran como pieles extrañas, como una marca o como una huella de aquel tubérculo. Guardé un par de ellas. Una de ellas empecé a fotografiarla. La pieza tenía originalmente una tonalidad verde-amarillenta y la pasé a blanco y negro. A partir de esa fotografía y del papel realicé una edición, que en realidad era una falta edición porque no eran piezas seriadas, sino que cada una de ellas era única. Cogía las fotografías y las pasaba a otro soporte, otro papel, pero cada traspaso que hacía era diferente. (…) Las fuentes en las que me fijo son cosas que tienen que ver con el mundo del paisaje, la naturaleza, la fenomenología y el paso del tiempo».

Patricia Dauder

 

 


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Ignasi Aballí

Cerimònia de l’oli novel (Ceremonia del aceite novel), 2013

Edición

21 x 29,7 cm. (x 18)

 

 

En Cerimònia de l’oli novell (Ceremonia del aceite novel) Ignasi Aballí propone una lectura colectiva de las diferentes definiciones de “aceite” impresas en papeles manchados con una gota de aceite.

«Después de darle vueltas, porque esto era un encargo muy específico, decidí distribuir uno de los elementos de la obra a cada uno de los invitados a la ceremonia y, aunque la obra es una, cada miembro de los que asistieron, se llevó una parte, un fragmento de esta obra total. Lo que hice fue coger unas hojas DINA4, echar aceite por encima, provocando una mancha que se iba expandiendo a medida que el papel la iba absorbiendo, y de la cual yo no tenía un control total, porque dependía del papel, de la cantidad de aceite, etc. Sobre esta mancha escribí una de las definiciones de aceite encontradas en el diccionario y también todas las acepciones de esta palabra que aparecen citadas en el diccionario. El día de la ceremonia, cada uno de los asistentes tuvo uno de estos papeles y leía en voz alta la parte de la definición que le había tocado.(…) En este caso, combiné dos elementos que son relativamente habituales en mi trabajo como son la relación entre una imagen y un texto de manera complementaria. La imagen sería esta mancha de aceite que iba adoptando en cada caso una forma diferente y el complemento o el soporte textual, la definición del diccionario como contrapartida a esta imagen. Esto es una práctica normal en mi trabajo, en el que a menudo el texto toma la cualidad de la imagen, y la imagen de texto. El aspecto que me interesaba era la idea que todos se llevasen una parte, la idea que la obra no era única e indivisible. Una vez supe cuantas personas vendrían a la ceremonia, hice tantas parte como personas asistirían, de manera que cada uno se pudiera llevar, como recuerdo o como resto de esta acción, una parte».

Ignasi Aballí

 

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Bleda y Rosa, Candida Höfer y Gillian Wearing en el Palau de l’Aljaferia de les Corts d’Aragó

 

Candida Hofer


 

Obras de Bleda y Rosa, Candida Höfer y Gillian Wearing forman parte de la exposición Mujeres fotógrafas,

organizada por el IVAM en el Palau de l’Aljafería de les Corts d’Aragó

Desde el 29 de octubre hasta el 15 de diciembre de 2019